La Fille de Jephté

Tapisserie allemande armoriée.

Région de Hambourg, XVII^e siècle, vers 1600-1620.

Hauteur : 87 cm – Largeur : 75 cm

Iconographie :

La scène est rapportée dans le livre des juges (11, 34) : Jephté, partant en campagne, fit un vœu à l’Eternel : « si tu livres les enfants d’Ammon entre mes mains, celui qui sortira des portes de ma maison pour venir à ma rencontre, lorsque je reviendrai victorieux, appartiendra à l’Éternel et je l’offrirai en holocauste… Et voici que sa fille, son unique enfant, sortit à sa rencontre, en dansant, et en jouant du tambourin. Elle demanda à pleurer deux mois sa virginité dans la montagne, puis elle revint pour être sacrifiée ».

Malgré la petite taille de la tapisserie, la composition très ramassée a un caractère de grandeur majestueuse, elle est monumentale. La scène du sacrifice dans la partie supérieure droite, ne nous laisse guère de doute sur l’issue fatale du vœu imprudent, même si, comme l’indique Louis Réau (op.cit), suivant une autre interprétation, le sacrifice de la fille de Jephté serait seulement celui de renoncer aux joies du mariage et de la maternité en offrant sa virginité à Iahvé…

Une tapisserie similaire mais ne comportant pas d’armoiries est reproduite dans l’ouvrage de Göbel (op.cit) au numéro 96a. Elle est indiquée comme feuille de coussin, mais les dimensions ne sont pas indiquées. La tapisserie présentée ici nous paraît trop grande pour être qualifiée de feuille de coussin comme la tapisserie présentée dans Göbel 1934. Pour nous, il s’agirait plutôt d’une petite tapisserie utilisée dans un oratoire privé. La présente tapisserie comporte des armoiries non identifiées par l’héraldiste consulté mais bien, d’après lui, dans le style des armoiries de la région de Hambourg.

Matériaux et état :

Tissée en laine et soie, chaîne en laine (8 fils de chaîne au cm), trame en laine et soie, la tapisserie est dans un bel état de conservation, galon bleu et vieil or rapporté.

Bibliographie :

Heinrich Göbel, 1934, Wandteppiche – Die Germanischen und Slavischen Länder III, 2, n°96 A.

Louis Réau, 1956, Iconographie de l’Art chrétien, trois tomes, tome II, vol 1- p.234-235.

Saint Jacques à cheval en bois de résineux sculpté en ronde bosse polychromé et doré. Sur le cheval cabré, il est revêtu d’une armure au plastron ceint d’une écharpe.

Espagne, XVII^e siècle (petits accidents et restaurations).

Hauteur : 85 cm – Largeur : 57 cm – Profondeur : 22 cm

Mille fleurs à la licorne.

Aux armes de la famille de Chabannes La Palice.

Tapisserie des Ateliers de la Marche (région d’Aubusson et Felletin).

Vers 1500.

Hauteur : 210 cm – Largeur : 140 cm

Cette rare tapisserie présente les deux thèmes importants de la tapisserie du Moyen Age et de la pré-Renaissance : le décor végétal des millefleurs (ici très stylisées) et la licorne, cet animal mythique et fabuleux, symbole de pureté. La licorne utilisée en héraldique symbolise la pureté et l’honnêteté de la famille dont elle présente les armes. Ici la licorne porte les armes de l’illustre famille de Chabannes : de gueules au lion d’hermines couronnées d’or, l’écu est surmonté d’un heaume avec panaches.

Cette tapisserie a pu être tissée pour Jacques de Chabannes, seigneur de la Palice et Maréchal de France (1470-1525). Il consacra sa vie au service de la France sous trois rois successifs : Charles VIII, Louis XII et François 1^er. Sa réputation de bravoure le fit considérer comme l’un des hommes les plus remarquables de son temps. Jacques de Chabannes, seigneur de la Palice, fut nommé Maréchal de France (1515), à l’avènement de François 1er.

Matériaux et état :

Tissée en laine et soie (5 fils de chaîne au cm), bon état de conservation, des anciennes restaurations.

Provenance :

Ancienne collection Thiérard Frères, Vente Palais Galliera, 30 mars 1963 Marché de l’art.

Bibliographie :

Dominique Chevalier, P. Chevalier, P-F. Bertrand,1988, Les Tapisseries d’Aubusson et Felletin, repr. p. 19.

Expositions :

La tapisserie a figuré dans une exposition à Paris en 1935 et à Arras en 1963, Les Tapisseries d’Aubusson et Felletin, n° 2 du catalogue, p. 17, la pièce est intitulée Licorne sur fond de fleurettes. 

Bas-relief en marbre représentant saint Pierre en évêque. Debout, la tête auréolée et ceinte d’une mitre, il tient un livre de ses deux mains, deux clefs suspendues à sa main droite ; visage aux traits stylisés avec yeux en amande aux paupières ourlées, moustaches et barbe traitées en mèches parallèles ; il est revêtu d’une tunique tombant en plis symétriques et d’une chasuble recouvrant les épaules au plissé serré.

Italie, Toscane ? fin du XII^e siècle (manques sur le côté gauche et à la partie supérieure, cassé et recollé, renfort au dos).

Hauteur : 65 cm – Largeur : 30 cm – Profondeur : 6 cm

Feuilles de choux aux oiseaux.

Pays-Bas méridionaux, probablement Grammont.

Seconde moitié du XVI^e siècle.

Hauteur : 250 cm – Largeur : 280 cm

Un large bouquet de grandes feuilles d’acanthe ourlées d’un vert profond que l’on nomme traditionnellement feuilles de choux, occupe toute la composition. Une demi-douzaine de petits oiseaux habitent ce grand motif végétal ; on aperçoit également une libellule et une sauterelle. Des fleurs grimpantes que l’on nomme aristoloches, des rosiers et des digitales s’insinuent entre les grandes feuilles et animent la composition.

La bordure est à motifs de fleurs éclatées, d’iris, de fruits et de feuilles. Elle encadre cette magistrale composition surréaliste et l’éclaire grâce à son fond clair et lumineux.

Succédant aux millefleurs du Moyen âge, les tapisseries dites à feuilles de choux apparaissent dans la seconde moitié du XVI^e siècle et furent tissées aussi bien dans les ateliers des Pays-Bas méridionaux (Bruxelles, Audenarde, Enghien, Grammont, Bruges) que dans les ateliers marchois du centre de la France.

Les grands musées du monde entier possèdent une ou plusieurs tapisseries dites à feuilles de choux.

Matériaux et état :

Tissée en laine et soie (chaîne en laine, 5 fils de chaîne au cm, trame en laine et soie), la tapisserie est dans un bel état de conservation.

Bibliographie:

Adolph Cavallo, 1967, Tapestries of Europe and of Colonial Peru in the Museum of Fine Arts of Boston, n°27.

Tête de chevalier en pierre calcaire sculptée en ronde bosse. Visage entouré d’un haubert de mailles recouvrant la bouche et coiffé d’un casque de forme conique protégeant la nuque ; ce casque est orné de renforts se terminant par des crossettes et de fleurs de lys dressées en bordure ; visage avec yeux en amande aux paupières légèrement ourlées, nez droit et épaté.

XIII^e siècle (quelques érosions).

Hauteur : 18,5 cm – Largeur : 15 cm

Soclée.

Millefleurs au lévrier et à la lionne.

Pays-Bas méridionaux, Tournai.

Vers 1500.

Hauteur : 122 cm – Largeur : 150 cm

Caractéristique de la seconde moitié du XV^e siècle et du premier tiers du XVI^e siècle, le terme de millefleurs désigne des tapisseries dont le fond, souvent bleu foncé, est orné d’un semis de fleurs, plus ou moins stylisé, plus ou moins répétitif. Sur ces fonds se détachent des personnages, des animaux ou des armoiries.

Sur le fragment présenté, un lévrier s’élance vers la gauche et une lionne passe derrière un arbre. Une tapisserie présentée dans l’exposition Tapisseries héraldiques de la vie quotidienne (Tournai, 1970), nous montre le genre de composition dont devait provenir ce beau fragment : trois arbres parallèles avec quatre animaux dont deux passant derrière les troncs d’arbre.

Les couleurs vives et bien conservées nous permettent d’apprécier l’art des teinturiers de cette période.

De nombreuses millefleurs figurent dans les collections des musées européens et américains, mais elles sont devenues très rares sur le marché de l’art.

Matériaux et état :

Tissée en laine et soie (5 fils de laine au cm), la tapisserie a conservé de beaux coloris vifs ; une partie retissée.

Bibliographie :

Jean-Paul Asselberghs,1970, Tapisseries héraldiques de la vie quotidienne (Tournai, 1970), n°11.

Nello Forti Grazzini, 2015, Textiles Art Masterpieces, Tapestries and Embroideries in the Zaleski collection, la tapisserie est reproduite p.194, fig.29 31c.

Relief de Persépolis. Dignitaire Mède

Relief sculpté du buste d’un dignitaire Mède vers la gauche, peuple appartenant à l’une des trois régions ancestrales de l’empire achéménide. Il est vêtu d’une robe, l’épaule gauche couverte d’un manteau, et est paré d’un collier torsadé, d’un bracelet et d’une boucle d’oreille. Le chef est coiffé d’un bonnet hémisphérique couvrant la chevelure formée de nombreuses mèches bouclées et torsadées en registres superposés. Il porte une longue moustache retombant sur la barbe fournie, traitée à l’identique de la chevelure, se terminant par de fines mèches ondulées. Il place la main droite aux doigts effilés devant la bouche pour suggérer la parole.

Calcaire.

Dans le style achéménide de Persépolis.

Hauteur : 30,5 cm – Largeur : 20,5 cm

Provenance :

Hôtel Drouot, Paris, 16 mars 1967, n° 62. Maître Maurice Rheims.

Collection Frank Elgar (1899-1978).

Hôtel Drouot, Paris, 8 mars 1989, n° 67.

Portrait de jeune patricien, la coiffure formée de mèches ondulées, la pupille des yeux indiquée. Marbre blanc (restaurations, en particulier le nez et le menton).

Art Romain, II^e-III^e siècles apr. J.-C. 

Hauteur : 19 cm

Vase tronconique.

Albâtre (cassures).

Égypte, Ancien Empire.

Hauteur : 15 cm

Bouchon de vase canope à l’effigie du chacal Douamoutef. Porte un numéro de collection.

Albâtre.

Égypte, Basse Époque.

Hauteur : 17 cm

Ensemble composé de deux vases canopes, les corps peints de registres de languettes. L’un est fermé par un bouchon à l’effigie du chacal Douamoutef. Portent plusieurs numéros de collection. Albâtre et traces de polychromie.

Égypte, Nouvel Empire.

Hauteurs : 47,5 cm (avec le bouchon) et 35,5 cm

Vase Canope au nom du Prêtre-embaumeur Psammétique-men
La panse est gravée de six colonnes hiéroglyphiques avec la formule traditionnelle plaçant le contenu du vase (l’estomac) sous la protection de Neith et de Douamoutef (version XIXc de K. Sethe), la titulature et le nom indiqués deux fois “Paroles dites par Neith : Je passe le matin et le soir, chaque jour à assurer la protection de Douamoutef qui est en moi, la protection de l’Osiris le Chef des chanceliers du dieu, le Prêtre-sem, l’Embaumeur, le Préposé aux affaires confidentielles de toute ouâbet (la place d’embaumement), le Prêtre nedjem-séti (“à l’odeur agréable”) Psammétique-men, juste de voix ; la protection de Douamoutef, l’Osiris le Chef des chanceliers du dieu, le Prêtre-sem, l’Embaumeur, le Préposé aux affaires confidentielles de toute ouâbet, le Prêtre nedjem-séti Psammétique-men, juste de voix ; c’est Douamoutef.”

On y joint un bouchon simiesque provenant d’un autre trousseau à l’effigie de Hâpi.

Albâtre.

Bouchon antique rapporté.

Égypte, nécropole memphite, Basse Époque, XXVI^e dynastie.

Hauteur corps du vase : 35 cm – Hauteur bouchon : 7 cm

Provenance :

Ancienne collection Giovanni Anastasi (1780-1860), Consul général de Suède et de Norvège en Égypte de 1828 à 1857.

Vente à Paris, Me François Lenormant, 23-27 juin 1857, p. 31, n° 234 (sans bouchon), acquis par l’antiquaire parisien Kalebdjian.

Bibliographie :

Le département des Antiquités Égyptiennes du musée du Louvre conserve un exemplaire du catalogue de vente de la collection Anastasi (23-27 juin 1857) annoté par Théodule Devéria (1831-1871) avec la copie de l’inscription du vase et précisant que le monument a été acquis par l’antiquaire parisien Kalebdjian.

Wilhem Claesz HEDA (Haarlem, 1593 – 1680)

Nature Morte au rohmer, nautile et gobelet en argent 

Panneau. Signé et daté 1642 en bas vers le milieu.

58,5 x 79 cm

Inscrit à la Guilde de Saint-Luc de Haarlem en 1631, Willem Claesz Heda s’illustre tout particulièrement dans le genre de la nature morte et plus spécialement dans les « banketje ». Ces collations, repas inachevés ou interrompus, mettent en scène de façon savante mais naturelle des objets précieux et raffinés et permettent à l’artiste d’exprimer toute sa virtuosité.  Alors que, dans les années 1620-1630, Heda réalise des natures mortes marquées par une certaine monochromie, les années 1640 voient l’introduction de compositions plus chargées, où la couleur joue un nouveau rôle. Le nautile monté en argent, élément récurrent dans ces compositions et objet typique du cabinet de curiosité, est représentatif de cette volonté nouvelle de raffinement. On le retrouve d’ailleurs dans plusieurs œuvres datées de 1641 (La tourte au cassis, panneau, 60 x 77 cm, Strasbourg, musée des Beaux-Arts)  ou de 1642 (Nature morte, panneau, 65 x 74,5 cm, Saint-Étienne, musée d’Art Moderne).

Dans notre tableau, daté de 1642, Heda parfait ses harmonies de gris, d’argent et de blanc en les relevant de touches de  bleu, rose ou rouge, par le détail du manche du couteau et du nautile. Ceux-ci se détachent sur la nappe blanche aux plis lourds, dont le bord est simplement souligné par un ourlet. La forte présence de cette nappe est idéalement contrebalancée par les tons chauds de la table, le brun doré des noisettes et du rohmer,  ainsi que par le rai de lumière qui vient détacher du fond du tableau le délicat verre en cristal. C’est également la lumière qui anime les différents objets, jouant dans les ciselures de l’argent, de la timbale à la monture du nautile. Le citron à demi-pelé dont l’écorce se détache en spirale ainsi que les fruits s’échappant de la tourte introduisent un certain dynamisme, le manche de la cuillère reposant légèrement sur la nappe renforçant l’impression d’une collation tout juste interrompue.

Willem Claesz Heda livre ici une de ses plus belles compositions, où la simplicité de la mise en scène accentue le raffinement des objets, sa virtuosité s’illustrant aussi bien dans la texture dans la nappe que dans les reflets mordorés du rohmer et de l’argent.

Provenance : 

Vente anonyme, 12 décembre 1989, Paris, Hôtel Drouot (Me Millon et Jutheau), lot 30 (2 900 000 F).

Rapport de condition sur demande.

Édouard VUILLARD (1868-1940)

Misia et Thadée Nathanson à Cannes, la lecture, 1901

Huile sur toile, porte le cachet de la signature en bas à droite.

53 x 58 cm

Bibliographie :

Antoine Salomon et Guy Cogeval, Vuillard, le Regard innombrable, catalogue critique des peintures et pastels, 2003, Skira/Wildenstein Institute, Paris, vol. II, p.842, n°VIII-25.

Thadée Natanson, directeur de la Revue Blanche, épouse Misia Godebska en 1893. Elle accueille chez eux les plus proches collaborateurs et amis de son mari, parmi lesquels Vuillard, dont elle devient très vite la muse.

De 1896 à 1899, ils partent régulièrement en villégiature à trois. Nombreux sont les portraits de Misia à cette époque, plus rares ces scènes représentant le couple Natanson, qui divorcera en 1905.

Henri MARTIN (1860-1943)

Le pont à Labastide-du-Vert

Huile sur toile.

65,5 x 94 cm

En 1900, Henri Martin acquiert la propriété de Marquayrol, à Labastide-du-Vert, dans le Lot sans se douter que sa vie et son oeuvre en seront illuminées. Il y séjourne habituellement de mai à novembre. Durant quarante ans, il peint des vues de Labastide-du-Vert, de son pont enjambant le Vert, menant des recherches sur les ombres, les lumières et l’eau, variations chromatiques et cadrage, élevant ce simple pont au rang de sujet pictural.

Le procédé pointilliste est parfaitement adapté pour rendre la palpitation de la lumière dont il cherche à saisir les changements de tonalités au fil des heures et des saisons.

La datation exacte des oeuvres est parfois difficile à établir puisqu’une toile commencée une année peut être continuée l’année suivante. Il ne signe ses tableaux qu’au moment de les vendre et encore sans accorder une grande signification à ce geste.

Paul MANSOUROFF (1896-1983)

Étude, circa 1960

Huile sur panneau, signée en bas à gauche, dédicacée pour mon chere Amie (come movese SOUVENIR) NANE STERN 120/11 73-20/1 74 , Bonne Année.

116 x 29 cm

Provenance :

Nane Stern, Paris, (n°234/15).

Louis MARCOUSSIS (1883-1941)

Composition

Fixé sous verre, signé en bas à gauche et daté 1921 en bas à droite (petites cloques).

19,5 x 16 cm

Provenance :

Rachel Adler Gallery, New York.

Galerie Thomas, Munich.

Hans HARTUNG (1904-1989)

PEINTURE N°10 «T 47.10»

Huile sur toile, signée en bas à droite, datée 47 janvier.

146 x 97 cm

Provenance :

Galerie Louis Carré Paris.

Expositions :

– Peintures d’aujourd’hui,  Musée de Nîmes, 29 octobre-27 novembre 1949

– Advancing French Art, American Federation of Arts exhibition, Louis Carré Gallery, 4-25 mars 1951

– Nouvelles tendances de l’Ecole de Paris, Kunsthalle Berne, février 1954

– Hartung, Palais des Beaux Arts, Bruxelles, 3-21 avril 1954, n°9

– Six peintres de l’école de Paris, Galleri Kaare Berntsen, Oslo, 20 nov.-8 déc. 1959

– Hans Hartung, The Lefevre Gallery, Londres, janvier-février 1969, n°1

– Hans Hartung, Fondation Sonja Henie Niels Onstad, Oslo, août 1981-janvier 1982

« Ne plus rien figurer, ce que j’aime faire, c’est agir sur la toile…» Hans Hartung

Hans Hartung (1904-1989), né à Leipzig, est élevé à Bâle puis Dresde , où il est inscrit à l’Akademie der Künste. Il y assiste à une conférence de Kandinsky parlant de l’abstraction comme d’une « valeur acquise dans l’histoire de l’Art ».

Il effectue un premier voyage en France en 1926, s’inscrivant à l’Académie André Lhote.

Il voyage, étudie et travaille entre la France, Dresde, Munich, l’Espagne et la Norvège jusqu’en 1935 où il s’établit définitivement à Paris. Il est naturalisé français en 1946.

Hartung présente sa première exposition personnelle à Paris, en février 1947, à la galerie Lydia Conti; en juillet de la même année, il expose au Salon des Réalités Nouvelles avec Mathieu, Wols, Bryen, Schneider et Poliakoff et devient l’un des chefs de file de l’art informel en France.

Il est considéré comme l’un des principaux représentants de la peinture abstraite.

Sam FRANCIS (1923-1994)

Sans titre, 1960.

Aquarelle, dédicacée, datée et signée au verso :

For Sigi from Sam, Nov 2 1960, Bleiburg

24 x 32,5 cm